Voyage en musique - page 3 | RCF

“Légende vivante” Valentin Clastrier est considéré comme l’inventeur de la “vielle moderne”, laquelle, entre ses mains, génère un univers sonore féérique et virtuose. Son jeu est plein de surprises, comme l’est d’ailleurs sa carrière. Guitariste aux côtés de Jacques Brel, il a également oeuvré comme vielliste dans le jazz auprès de noms reconnus tels que Louis Sclavis, Michel Godard et Michael Riessler.

Clarinettiste et compositeur, Steven Kamperman est connu principalement pour sa formation turco-néerlandais Baraná, avec laquelle il s’est produit sur la scène international allant du Mexique jusqu’en Sibérie. Son jeu libre révèle une connaissance du jazz, un amour particulier pour la musique modale et un son personnel toujours plus aiguisé.

Ensemble, Ils forment un duo qui prend des itinéraires bis et des chemins de travers dans l’univers de leurs “Fabuloseries”. Avec une énergie à faire fondre le goudron, ce duo “fabuleux” propose une musique spectaculaire et passionante.

(c) photo: Homerecords

Réunir des musiciens des trois régions du pays pour interpréter de la musique de Wallonie, c’est ce que propose ce nouvel enregistrement.
Le programme est composé de chansons traditionnelles issues d’anciens collectages, mais aussi d’enquêtes actuelles effectuées par Vincent Grégoire. Elles sont ici, pour la plupart, réinterprétées pour la première fois.

C’est tout en cheminant, donnant un nombre impressionnant de concerts de par le monde, que IALMA a peaufiné Camiño: de Bruxelas a Santiago,la plus belle expression de la maturité artistique de Veronica, Magali, Natalia et Marisol.
Ce 5ème album est une expérience musicale particulière à travers la culture et les traditions galiciennes mixées à la diversité de notre monde contemporain.


(c) photo: Homerecords

Chansons pour le temps qui reste et pour les âmes qui partent. Chansons de bitume et d’azote, d’iode et de lune. Chansons pour soirs de marée brune. Chansons pour les médinas flamandes et les loukoums liégeois. Chansons pour démoder la mode, pour dérider la mémoire et pour moquer l’abondance. Chansons buissonnières et sans guerre pour rendre hommage aux courtes pailles qui par inadvertance sont tombées de la carriole et qui parsèment le chemin des saisons. Chansons d’amour et sans raison…’


(c) photo: Homerecords

vec ‘MI VERDAD’, Esteban MURILLO rend un hommage vibrant à l’un des plus grands poètes espagnols du XXème siècle, Federico García LORCA.

D’autres letras flamencas sont écrites par Paco MURILLO, le grand-père maternel d’Esteban, immigré en Belgique pour y travailler dans les charbonnages, et qui a su lui transmettre la mémoire de ses racines andalouses et son amour inconditionnel pour ce genre musical et cette danse caractéristiques, nés au XVIIIème siècle sur base d’un folklore populaire, au carrefour de l’Orient et de l’Occident, parfaite synthèse des diverses cultures qui s’épanouirent en Andalousie tout au long des siècles.

C’est un renouveau qui sent l’Est et un peu le Sud aussi, elles jouent et nous transportent jusqu’aux orteils, on a envie de danser, de bouger jusqu’à faire tourner la tête. Mamaliga Orkestar se réapproprie avec légèreté mais conviction un répertoire dont on n’a jamais fait le tour.

Il y a une charmeuse de tympans, des paysages sonores, des pistes délicates entre ombres et lumières. Il y a un imaginaire organique, des fulgurances, des paradoxes et des éclats de voix. Il y a un univers captivant où « rien ne se perd, rien ne se crée, tout se transforme » par la grâce de la pensée magique.

À la faveur de chansons originales qui sonnent comme autant d’invitations au voyage, ilia trace la cartographie d’un monde encore à explorer. La fille à la fossette y dévoile ses
« sincertitudes » dans des histoires à contre-jour riches en textures. Auteure, compositrice et interprète, la jeune Liégeoise malaxe des climats bruts parés de tonalités roots volontiers imbibées de la chaleur des déserts.

Il y a et il y aura des brumes tribales, des oasis pop-folk tout en nuances et la promesse d’une délicate alchimie à partager en live.

Il y a ilia.

Deuxième opus de la chanteuse Perrine Fifadji, Une goutte d’eau sonde le monde. Ses mots voyageurs sont empruntés de plusieurs langues et mettent en exergue nos similitudes plutôt que nos différences.
Une goutte d’eau est une douce envolée qui nous emmène aux confins de territoires exquis, une conversation où se mêle la langue vibrante du violoncelle, la chaleur enveloppante de la voix, les caresses de la guitare et les percussions frénétiques des cymbales. Ça bruisse, ça nous effleure, ça nous enchante.

Perrine engage ainsi une intimité qui résonne à l’universel. Consciente que nous sommes tous embarqués sur un même bateau, elle nous rappelle ce qui fait de nous des humains.
Une goutte d’eau vogue au gré des vents qui portent le souffle de l’Afrique et celui de l’Occident. Ces vents parlent de racines et d’aujourd’hui, ils montrent le chemin de demain.
Une goutte d’eau , partage des émotions trans-genres, trans-époque, soutenue d’une musique trans-douce.

Après quelques années de ressourcement et de réflexion sur les valeurs essentielles de la vie, Pierre Vaiana revient de Sicile les poches gonflées d’un jazz mélodieux, tendre, gorgé de soleil et de compositions qui semblent soufflées par l’eau, le vent et la montagne. Un jazz serein, mature et dense, déconcertant, majestueux. Qui fait entendre la note continue d’un désir de paix, d’harmonie… d’amour et d’espérance !

A l’origine de Rahona qui signifie nuages en malgache, il y a la rencontre entre deux guitaristes aux racines aussi différentes que complémentaires, Joël Rabesolo (Madagascar) et Julien Marga (France).
Le premier, figure de la guitare malgache, a notamment parcouru les scènes avec le projet Island Jazz de Linley Marthe, alors que le second s’est fait remarquer depuis plusieurs années avec son propre quartet et l’album « Hypnosis » paru en 2017, vainqueur des Trophées du Sunside, vainqueur Cosmo Jazz Sacem 2019, prix du jury et du public au Tremplin Tonnerre de Jazz 2019….
L’entente immédiate entre les deux guitaristes et leur volonté de créer un projet à géométrie peu commune, un quartet à deux guitares, laissent éclore une identité sonore forte, qui sera la pierre angulaire de Rahona.
Les compositions choisies pour ce premier album permettent de révéler les facettes de chaque musicien du projet : de la musique africaine (Faratazana, Maintsoahitra) au jazz contemporain (Nané, Ellie and Jakob) en passant par la musique de film (Zokybe Haja), Rahona joue de ses influences (Bill Frisell, John Scofield, Charlie Haden…) au fil d’un album poétique, brillamment éclairé par les phrases mélodiques du saxophoniste invité, Manuel Hermia.
Rahona, ce sont les nuages de l’aube, les nuages des chaleurs d’été, les nuages d’orages, qui défilent dans un ciel musical aux couleurs changeantes, des nuages sonores qui vous bercent où vous percutent le cœur. Rahona, nuages qui s’effilochent sur les lignes mélodiques de deux guitares, puis s’étirent au vent d’un saxophone Nuages de pluie bienfaisante – Rahona – qui crépitent sous les roulements d’une caisse claire, nuages lourds qui grondent dans les quatre cordes d’une contrebasse. Rahona, comme un cadeau partagé que le vent nous aurait fait.

J’ai appris à connaître Lütfü discrètement, dans l’ombre de son fils Emre, lors d’enregistrements de CDs ou de concerts de ses enfants. Ce n’est que bien plus tard que j’ai appris des fragments de sa vie difficile, mais fascinante : ses racines de Tuncelli, son passage à Istanbul et plus tard, en Europe, le travail dans les mines de charbon, la perte d’innombrables amis à Sivas… mais par-dessus tout, un amour de la poésie et de la justice. Une vie dans laquelle musique et langue riment avec liberté et amitié.

Sur ce CD, Emre a rassemblé des amis musiciens pour rendre un hommage à son père Lütfü, son mentor et inspirateur. La diversité des musiciens ne pourrait pas être plus symbolique et passe d’un joueur de doudouk arménien à une accordéoniste allemande, d’un joueur de hoddu sénégalais à un belge jouant du chatkan… sans oublier bien sûr les plus grandes personnalités musicales de Turquie. Ce CD n’est pas seulement un hommage au barde Lütfü, mais aussi à tous ceux qui comme Lütfü nagent à contre-courant, armés seulement d’un instrument, un stylo, une voix… Une ode à la liberté. Une ode à la beauté. (Peter Van Rompaey – Muziekpublique)

Sous l’influence de la transe Ouest-africaine, la musique d’Aurelia dégage quelque chose de tranquille et profond, le calme du blues Malien… C’est une rencontre magique entre 2 musiciens/chanteurs hyper créatifs et un maître de percussions africaines Serigne CM Gueye. Une musique envoûtante, des mélodies aux lignes pures et lumineuses Original : un vrai bonheur !

Klezming Pool: plongée en apnée dans la grande profondeur du Klezmer! Quelques morceaux traditionnels klezmifiés sans modération et des compositions d’Aurélie Charneux qui décortiquent le rythme, les modes et les atmosphères klezmer. Une énergie désormais plus rock, un son davantage électrique, mais qui reste très organique, très compact. Klezmic Zirkus évolue désormais dans la grande famille du Klezmer au niveau international : il a tourné en Europe et à Moscou, et collabore régulièrement avec le chanteur canadien Geoff Berner, qui apprécie particulièrement la fougue du groupe. Et pour ce mois d’octobre, un projet musical de grande envergure : une série de concerts avec l’impressionnant clarinettiste new-yorkais David Krakaue

«…. des montagnes aux profondeurs tropicales, le long des rivages bordés de palétuviers ennoyés, autant de lieux arpentés par les quilombolas qui se coalisaient pour hurler librement leur révolte.»

Le Quilombo, lieu-dit né du besoin des esclaves en fuite, s’est propagé dans différents territoires du Brésil. Plus tard, les indigènes y trouveront également un refuge. L’un des plus fameux quilombos était celui de Palmares, situé dans une région montagneuse du Nordeste. C’est ici que, avant d’être assassiné, Zumbi, grand chef esclave inassouvi, s’est érigé en libérateur des opprimés.

Le phénomène des quilombos se rattache à un instinct de survie qui s’est développé sous différents noms, au Mexique, dans les Caraïbes et en Amérique du sud. Il est l’extraordinaire berceau d’une fraternité afro-latino-américaine qui restera à jamais gravée dans la tradition du «Son Jarocho», «La Cumbia», «El Festejo», «O Xote», «El Toque de Guiro» et bien d’autres…

Quand l’audace du mélange des genres et des sensibilités se conjugue avec talent et passion, naît une alchimie surprenante…

“Karim Baggili, un jeune virtuose à la guitare et à l’oud, le luth arabe. En réalité, Baggili est bien plus que cela: un enchanteur dont les notes, transcendant tradition et modernité, résonnent sur les voûtes et dans les coeurs.” DOMINIQUE SIMONET – La Libre Belgique

Osman Martins, guitariste et chanteur, mais aussi percussionniste et joueur de cavaquinho, rencontre sur ce disque le Quatuor MP4. Tous basés en Belgique, ils interprètent une musique brésilienne, inspirée de la bossa nova, de la samba, du choro et du jazz. On a déjà tout fait avec la musique brésilienne. Osman Martins a imaginé néanmoins d’arranger des morceaux de sa composition pour les interpréter avec un quatuor classique.

Voilà donc une musique originale et léchée. Les arrangements de Pierre Slinckx sont subtils, la nostalgie d’Osman Martins se marie bien avec cette sophistication. C’est de la saudade que le Brésilien compose et chante, dans des rythmes de bossa-nova, de samba, de chorinho, loin des brésiliades de variétés. Une voix, une guitare, quatre cordes, quelques percussions, cela suffit à nous ravir.

Bao Sissoko et Wouter Vandenabeele collaborent en 2009 au projet du violoniste peulh, Issa Sow (« Doumale » paru chez homerecords.be). Les timbres du violon et de la kora fusionnent tellement bien que Bao et Wouter lancent alors une série de concerts en duo.

En 2013, ils décident de se lancer dans un projet avec l’excellente chanteuse griotte Mamy Kanouté, (Dakar, Sénégal) qui est par ailleurs choriste de Baaba Maal. Le CD a été enregistré à Dakar avec de nombreux membres des familles Sissoko et Kanouté, de brillants musiciens qui ont enrichi l’album avec leur balafon, kora, guitare, chant… l’enregistrement des cordes, le mixage et la finalisation de l’album ont eu lieu en Belgique. Le résultat est une magnifique sélection de compositions et morceaux traditionnels de Mamy Kanouté et Baye Diop. Des arrangements d’ensemble à cordes audacieux se mêlent à la musique griotte traditionnelle.

Hypnogol, c’est le journal d’un capitaine persuadé d’être le plus grand chanteur du monde… Bien décidé à le prouver, il organise sur sa péniche une soirée spectacle qui vire au désastre total. Seul, la tête vide et sans but, il commence à naviguer sur les canaux et rivières … Dans cette solitude, les dimensions du temps et de l’espace se transforment imperceptiblement et, sans s’en rendre compte, il tombe en proie à des visions hallucinantes, qu’il note scrupuleusement dans son carnet…. C’est un rêve éveillé, un spectacle surnaturel, l’histoire baroque et biscornue d’un marin d’eau douce à la tête d’un navire, ivre de son voyage fantasmagorique. Tout commence par un souffle venu de très loin : s’agit-il d’une corne de brume ? On devine le bruit sourd des machines… Cette traversée musicale nous fait voir des choses insensées, des images d’une vie en technicolor. C’est un festival de sons et de voix, d’images abracadabrantes. On y croise des lucioles, des barbapapas, des cocons et des abattoirs. Il y a des gongs chinois, un air de cabaret berlinois, des soupirs de marche funèbre. Ce disque avance au rythme de cette histoire, des écluses en leitmotiv et s’engage dans le courant d’un fleuve improbable. Puis ce voyage se fera aussi à bord du vrai « Aurelia Feria » la saison prochaine pour une série de concerts d’Ostende à Liège. Montez à bord de l’Aurélia Feria, entrez dans leur monde !

“La musique de Karim s’est développée et a mûri mais n’a rien perdu de son attrait. La technique flamenco, les mélodies arabes, tout est encore présent et fusionne dans une unité logique. Et ce n’est pas étonnant vu que Baggili, né en Belgique d’un père jordanien et d’une mère yougoslave, a été en contact intime avec plusieurs cultures durant sa jeunesse. Maintenant, il travaille avec de nombreuses formations (Nathalie Lorier et Mélanie Gabriel, entre autres), compose de la musique pour des court-métrages et affine continuellement sa technique au oud et à la guitare. Sa musique est originale et intense. Elle mélange fraîcheur juvénile et maturité musicale.” (Peter Finger)

SAMURAI le ‘Grand Prix Charles Cros’ et ‘l’octave de la musique’ Rien de moins que cinq artificiers majeurs de la boîte à boutons, lesquels chacun sur leur registre (trad, folk, liscio, musique Irlandaise, jazz, musique de films…) ont fait notablement avancer la cause de l’accordéon diatonique. Des acteurs qui comme des personnages chers à l’imaginaire japonais ont su allier audace et noblesse d’expression. Inventivités mélodiques, brillances sonores, atmosphère intimiste ou invites à la danse échevelée : ces musiciens au pedigree impressionnant nous promettent un feu d’artifice et un rendez-vous d’une extrême séduction. Cet album est la continuité du spectacle créé au centre de création “Le Chantier” à Correns lors des Joutes Musicales de Printemps le 21 mai 2010 sur une idée originale de Frédérique Dawans.